Artistas? Galerías? Público? Mercado? Arte?

UN INTERESANTE TEXTO PARA LA REFLEXIÓN: DOMINGO 28 DE AGOSTO DE 2011 Brevísimo diccionario de una impostura Por Avelina Lésper

Nunca estará de más cuestionar el mal arte, o anti-arte, como lo llama la autora de este implacable diccionario que desnuda imposturas, ideas y actitudes que se han incrustado en el ámbito del arte contemporáneo. ARTE BURGUÉS. Este es un anti-arte burgués y ocioso que desprecia el trabajo. Artistas que no trabajan, no estudian, no hacen. Roban, copian, designan, sobre valúan sus objetos por un capricho de la moda, exaltan el consumismo. Es el gran elogio a la decadencia del capitalismo. ARTE CONCEPTUAL O CONTEMPORÁNEO. Las obras que se auto llaman arte contemporáneo, son conceptuales, porque en todas son las ideas y el discurso el único peso intelectual que poseen, y es el concepto lo que les da el sentido como arte. La acepción cronológica al ser siempre inestable es inexacta. Cualquier obra, -desde el ready-made hasta las que tienen algún tipo de factura- que hace de las ideas su gran valor real es conceptual. Si una obra despojada de esas ideas pierde su sentido como arte, entonces no es arte. ARTE CONTEMPORÁNEO Y OTRAS ARTES. La música, el teatro, la literatura, la danza, el cine llevan esto de ser contemporáneos con otra perspectiva. Estas artes requieren de un involucramiento más real de público: tiene que pagar el boleto para entrar al teatro o la sala de conciertos, sentarse y presenciar durante una o dos horas una obra y con sus aplausos o abucheos manifiestan su opinión. Leer un libro exige de concentración y tiempo, el escritor ve cómo los libros se quedan en la bodega o son un éxito. Los críticos de estas disciplinas son feroces, el cine aguanta toda clase de análisis y nadie se rasga las vestiduras. En cambio el arte contemporáneo se ve en cinco minutos y el público se larga. El artista contemporáneo vive en una burbuja, no tiene contacto con el público, niega la crítica que no es favorable y si el público no va a la sala es porque no entiende, nunca porque su obra deje insatisfecho al espectador o porque se perciba como una farsa. Este anti-arte no es para el público, ni para el museo, es una práctica endogámica para sus curadores, críticos y artistas. ARTE QUE NADIE SE ROBA. El criterio del ladrón es el sentido común, la realidad de que todas las obras son lo que son: una pintura es una pintura, un dibujo es un dibujo, una lata vacía es una lata vacía, un excusado es un excusado. Y algo tan real como un robo, tan inmediato, lo pone en evidencia. Nadie se roba un montón de ropa sucia, unas cajas de cartón. Los nuevos museos no requieren de alarmas, medidas de seguridad o guardias, y lo que se llegarán a robar, puede ser reemplazado en un instante y sin la presencia del artista.Jeff Koons. ARTE TRADICIONAL Y ARTE CONTEMPORÁNEO. La distinción arte tradicional y arte contemporáneo es una deformación estética. Los "contemporáneos" tienen 100 años haciendo lo mismo, es tiempo suficiente para crear una tradición. En cambio la pintura que se hace hoy no detiene su evolución, y sus preocupaciones, estética y estilos están completamente inmersos en nuestra actualidad. Los artistas contemporáneos no son modernos, tienen cien años sin evolucionar. ARTISTA. Todos son artistas y todo lo que el artista designe como arte es arte, es el estatus actual. Hoy tenemos a la mayor población de artistas de la historia del arte, por lo tanto ninguno es indispensable. Ser artista contemporáneo es una moda elitista. Antes querían poner un bar nice, luego ser "diseñadores de imagen", después Dj's y hoy, finalmente, son artistas contemporáneos. La actitud de arrogancia y de fatuidad de los artistas es justificable: venden sus elementales ocurrencias y los coleccionistas demuestran su poder adquisitivo con estas compras caprichosas y exhibicionistas. ARTISTA, REQUISITO PARA SER. El requisito es no saber hacer las cosas para hacerlas. No saber hacer arte para ser artista. ASPIRACIONES. Los artistas quieren ser millonarios y los millonarios quieren ser artistas. Si declarar que algo es arte te hace artista, aceptarlo, motivarlo y pagar por eso, también te hace artista. Pagar el precio convierte al coleccionista en un artífice más del objeto; sin su aprobación y su inversión la obra nunca hubiera trascendido como arte, así, el comprador forma parte esencial en el montaje de esta farsa. Comparar algo de valor "teórico" te define como moderno y actual. El precio en estas obras es su validación real: si es caro entonces es arte. BASURA. Es la materia prima del arte contemporáneo. El arte de la pepena. Cualquier cosa que esté en un basurero es susceptible de ser una obra maestra. Tenemos obras con cajas de cartón, envases de PET, detritus orgánico, restos animales, latas de refrescos, aparatos eléctricos descompuestos, y un largo etcétera que se concentra en los tiraderos de cada ciudad. El Arte Povera hizo del desperdicio un lujo más de la demagogia del capitalismo, lo que es una desgracia en el tercer mundo en el primero es arte. La sociedad de consumo cansada de comprar cosas codiciables, codicia lo que desecha, transformado por el poder del artista. Ante el increíble talento de estos artistas para encontrar basura, propongo que en los tiraderos impartan seminarios de Gestión Curatorial y Arte, les den becas para que clasifiquen la basura y además que a los ciudadanos que separen su basura les den certificados de artistas contemporáneos. Más hace este anti-arte por el planeta que la ecología. BECA. Los artistas contemporáneos piden becas para recortar periódicos, recolectar su ropa sucia, hacer fotos fuera de foco de fachadas de McDonald's, poner bocinas a un automóvil y recorrer las calles escandalizando con su ruido. Estas "obras" necesitan el apoyo económico del Estado porque de otra forma les resulta imposible realizarlas. Estos artistas no crean por la necesidad imperiosa de su vocación, lo hacen por encargo y por dinero. El Estado, en su perpetua ignorancia e ineficacia, siente que si apoya estas "manifestaciones artísticas" cumple su compromiso con el arte. Haría más no apoyando estos despilfarros.Klara Liden. CÉDULA. Son muy importantes, es lo único que le informa al público que el extintor de incendios no forma parte de la exposición. CÉLULAS ESPEJO. Éstas crean un proceso cognitivo en el que nos ponemos en la situación del Otro, sin ellas no existe la imitación, que es fundamental para el aprendizaje; se activan al ver una acción o cómo se realiza y tratan de recrearla. Estas neuronas también trabajan cuando tú al ver una obra de supuesto arte te ubicas en el sentido del creador y piensas que esa obra no requirió de un talento sobresaliente; analizas rápidamente tus habilidades y comparas lo que tú sabes hacer con el resultado de la obra y deduces que no tiene rastro de inteligencia creadora. Al no reconocer inteligencia o emoción en el trabajo, decides que es algo sin la calidad para poseer el estatus de arte. Al ubicarte en el papel del artista lo identificas como un estafador que suplanta la verdad del arte por una mentira. El arte tiene entre sus objetivos ayudarnos a comprender la realidad a través de la representación y lo hace con la herramienta de las células de espejo: si eliminan el objetivo de representar, las células no trabajan en ayudarnos a ordenar nuestra realidad y la existencia. Este anti-arte va en contra de los procesos de la inteligencia y nos encamina a disminuir habilidades formadas durante decenas de miles de años. Este arte volverá a la estúpida humanidad. COMPROMISO. La mayoría de las obras tienen un compromiso social y buenas intenciones, esto convierte cualquier representación en una evasión al razonamiento crítico. Si se critican los resultados, entonces se juzgan las intenciones. La introducción de una moral en el arte hace que las obras, por abyectas que sean, tengan un aval de fondo: todo es bueno, en el sentido moral del término. CONCEPTO. Si lo único que tiene valor en la obra es el concepto, y despojada de esto pierde su valor, entonces no es arte. El concepto es un enunciado arbitrario que pretende cambiar la naturaleza de un objeto, sin conseguirlo, exigiendo una comprensión que no requiere; un objeto es lo que es, nada más. CRUELDAD. Ejercer la crueldad no tiene que ver con recrearla y eso es patente en la literatura. Asesinar animales, explotar la muerte de otros, alardear del racismo no es arte porque, como todo en el arte contemporáneo, no es resultado ni del talento ni del trabajo del creador o "ideador". La función de esto es escandalizar para llamar la atención. En una corrida de toros la crueldad es parte del espectáculo, pero el torero toma riesgos que no toma ningún artista contemporáneo. Si Guillermo Vargas Habacuc, que dejó morir de hambre a un perro, amarrara al curador y al galerista para matarlos de hambre no habría existido jamás el performance criminal que hizo. Muchos toreros han muerto en el ruedo, y ¿quién ha muerto haciendo una obra? Nadie. Estas obras tienen una lógica elemental: si hablan de que dejaron morir de hambre a un perro, entonces funciona dejar morir de hambre a un perro. Si hablan de que pusieron suásticas, entonces funciona poner suásticas. Si hablan de un asesinato, entonces funciona asesinar. Estoy esperando el suicidio colectivo de estos mediocres para que cierren su ciclo de obras, ya que trabajan con las herramientas de su época. Adelante, la violencia es la gran herramienta actual para acceder al poder y la fama. CURADOR. El curador es un vendedor, un publicista, un dictador y es, al final, el verdadero creador de la obra. Las exposiciones no son anunciadas con el nombre del artista, lo principal es el nombre del curador. El curador vende la idea de su colectiva, decide qué artistas van en la exposición y con su texto inventa los valores subjetivos e invisibles de su producto, es decir, los artistas y sus obras. Estos valores no existen, como los publicistas, miente sobre las características de su producto. El curador le dicta al artista lo que tiene que hacer, lo que significa y decide el valor que tiene en la exposición. Cómo todos son artistas, todos debieran ser curadores, pero no es así. Éstos y los teóricos son los entes pensantes de la obra. El artista es sustituible, el curador como los dictadores, no lo es. El curador al dar sentido a la reunión de objetos y llevarlos al recinto expositivo es el artífice real de la obra. Desháganse de los artistas. Para poner una piedra con una patineta rota o una tina de aceite quemado en el museo, un curador basta, no se requiere a nadie más.Song Dong. ENTENDER. "Si no te gusta es que no entiendes". Confunden creer con entender. Cuestionar a la obra es no entender. No piden que se entienda, piden que se crea que eso es arte. En el momento en que dejen de creer que eso es arte, dejará de serlo. Si no crees en el milagro, el milagro no existe. Esta actitud elitista: "Tú no entiendes", margina al público, lo expulsa de los museos y le quita al artista la responsabilidad de las consecuencias de la obra. Si el público no ve en la obra lo que el concepto y el significado dictan es que es ignorante. El artista es infalible, nunca se equivoca. La sensibilidad del espectador es inoperante, el artista es intocable. ESCUELAS DE ARTE. Las escuelas de arte no son necesarias, ser artista es una actitud que se adquiere como ponerse unos zapatos, y el arte se designa. El arte no tiene valores de calidad, ni técnicas específicas, entonces tampoco requiere ser enseñado en una escuela. HIRST. Producto estrella de los YBA que inventó el publicista Saatchi. Es el Miguel Ángel del arte contemporáneo. Hombre de negocios, experto en vender sus desechos (colillas de cigarros, enseres domésticos) a empresarios que especulan con esto en el mercado del arte. Su calavera de brillantes, "For the love of God" es uno de los fraudes del mercado del arte más escandaloso. La compró él mismo con su contador y su galería White Cube. Con esta transacción se posicionó como el artista más caro: 50 millones de libras esterlinas. Nadie certificó que los 8,601 diamantes fueran originales. Este mito es apoyado por la crítica, así como los publicistas halagan cualquier producto de su cliente. IRONÍA. Esta ironía no es la crítica ácida a la sociedad, es un chistorete permanente. Con un discurso curatorial del nivel de programa cómico de la televisión del tercer mundo, las obras hacen un chiste de cualquier banalidad o tema. Este chiste demuestra la "irreverencia del artista". Cuestionar "con ironía", "ser corrosivo" sustituye la responsabilidad de llevar una denuncia a sus últimas consecuencias. Para qué ser transgresores si podemos ser simpáticos y chistosos. Cáscaras de limones chupados, esculturas de sanitarios portátiles, chicles pegados en la pared, bolsas del mercado amarradas, todo es ironía. Este chiste es explicado por el curador, asegurándose de que su inteligencia superior entiende el chiste mejor que el público. IMAGINAR LA OBRA. Decir que estas obras nos invitan a que imaginemos a partir de ellas es también un mito. Nos imponen qué es lo que debemos imaginar, lo ordenan claramente en las cédulas explicativas del curador. ¿Dónde está la libertad del ejercicio imaginativo si te dictan la reflexión? Instrucciones de obras imaginarias: la gente mira una pared y se supone que tendría que imaginarse la obra. ¿Por qué el autor no imaginó la obra y la realizó en vez de dejar ese trabajo al público? Un escritor no deja el libro en blanco para que te imagines la novela. Pedir que el público se imagine la obra encubre el vacío que el artista deja ante su incapacidad de terminar algo. JUVENTUD. Su nombre oficial es "artistas emergentes". Ser joven o emergente es un requisito para estar en exposiciones, es la adicción a lo nuevo del marketing del arte contemporáneo. Caras nuevas aunque las obras sean iguales. La virtud no es el talento, es la fecha de nacimiento. Las obras emergentes son de temática intrascendental, relacionadas con falta de inteligencia, irrelevancia, banalidad y sin un compromiso un social o estético serio. El arte niñato que no le importa lo que suceda en el mundo, aunque en la cédula hablen de la "decepción que les causa esta época" no existe una obra que describa esa decepción o un sentimiento de rebeldía ante lo que acontece. Estos artistas reflexionan sobre su ropa, la televisión, las redes sociales; son decorativos, conformistas, consumistas y políticamente correctos. Son un producto del sistema y trabajan para el sistema. Estos artistas sin arte son ciegos al hecho de que las grandes obras del Caravaggio o Lucian Freud también fueron obras de juventud. MAL GUSTO. Si el buen gusto carece de prestigio en esta época, como carece la belleza, el que ya tiene un prestigio universal como expresión contemporánea es el mal gusto. No se trata de acabar con obras terribles, que golpean a la mirada con la agresividad de la realidad, -ya lo demostró Otto Dix con sus grabados sobre la Primera Guerra Mundial que tienen la virtud de enfrentar al espectador. Lo que hacen los artistas contemporáneos es tratar de llamar la atención con rabietas visuales y chistes monumentales para provocar de forma artificial y pretenciosa. Objetos que siempre pasaron por kitsch, detestables y desechables hoy son la apoteosis de las subastas. Los objetos de feria de Koons son llamados esculturas; los animales en formol de Hirst son reflexiones sobre la existencia; las llantas y coches de carnaval de Betsabé Romero están en los museos. El mal gusto es el pase de entrada a la instantánea posteridad de este efímero capricho de la vulgaridad al que llaman arte contemporáneo. MEDIOCRIDAD. Pretender que el talento, la disciplina y la técnica en el arte son cosas del pasado es tratar de imponer a la mediocridad como signo de distinción de nuestra época. La llamada "democracia del arte", "la muerte de la tiranía del genio" es la dictadura de los mediocres. Hoy existen artistas completos, que trabajan en su obra, desarrollando e investigando en la constante revolución de la pintura, la escultura y el grabado, que se ven marginados para que la falta de talento y la mediocridad tenga "derecho a crear". El imperio de gente sin obra, que designan sus orines como arte, se ha apropiado de las galerías y los museos, amparados por curadores y críticos que lo explican y lo aplauden, convirtiendo al arte en una trama especulativa, en un negocio vulgar. Son libres de hacer con su detritus, con la basura que recolectan y con su pose de artistas lo que quieran, pero rebajar el nivel del arte al capricho de los mediocres es otra cosa. MUERTE Y CADÁVERES. El robo de cadáveres para obras era un canon en la Antigüedad. Leonardo pintó cuerpos, Caravaggio en su Muerte de la Virgen la modelo es el cadáver de una prostituta. Para el Caravaggio el propósito de la obra no era llevarse un cadáver, su objetivo fue que la imagen de la virgen se viera muerta, desprotegida, inerme, que los colores de la piel fueran los de un cuerpo por el que ya no circula la sangre. En el anti-arte y sus pseudo-obras su propósito es la exhibición morbosa y descarada de algo que afirman es el cadáver de alguien o la sangre de un crimen. La sangre, el cadáver, es un ready-made que hace del amarillismo la obra y de las aficiones patológicas el único talento del artista. MUSEO. Anunciaron y clamaron hace cien años la muerte del museo y hoy se dan cuenta que sin este contexto la obra no puede demostrarse como arte. Por eso a los artistas del anti-arte les urge entrar al museo, porque sólo parasitando el contexto del museo legitiman sus obras como arte y les dan trascendencia y valor en el mercado. Fuera del museo estas obras -cadenas de bicicleta, urinarios, bloques de concreto, agua sucia- no existen, regresan a su situación original de objetos sin valor y no son arte. NO OBJETUAL. Derribemos mitos: el arte contemporáneo ni es abstracto, ni es no-objetual. Si existe algo objetual, concreto, adicto a las referencias cotidianas y a las formas más costumbristas es este anti-arte, que depende en su totalidad de objetos prefabricados, que no inventa ni crea. "Objeto encontrado" "objeto intervenido" "objeto pateado" "objeto recuperado" "objeto reciclado"... decenas de categorías, una para cada cosa. Es el arte de la pepena que parasita la costumbre y la familiaridad con el objeto para relacionarse con el espectador. Carece de la abstracción de la recreación, rémora de las cosas hechas, es el arte del consumismo y la acumulación. ¿No objetual, no retinal? Entonces no depreden, hagan, recreen. OPORTUNISMO. El arte contemporáneo se aprovecha de un problema grave para, en un acto oportunista, vender una patraña como arte, y sucede la reacción lógica: criticar a la obra es estar en contra de la supuesta "denuncia". PERFORMANCE. El performance es cobarde con el público, no permite la interacción. Si un espectador le dice algo al artista este se indigna y pide que saquen del recinto al espectador. Hay una diferencia enorme entre la transgresión y el exhibicionismo. El performance es la versión politíceme correcta y decente de lo que hacen en los antros de show porno. En esos antros los actores que se desnudan, se cagan, masturban etc., aguantan al público, soportan sus insultos y ni ellos ni ningún cliente consideran que lo que hacen sea arte. Saben que es exhibicionismo y que explotan la necesidad morbosa de ver un espectáculo escabroso. Los performanceros sin llegar a lo que se hace en un burlesque o en un antro XXX se hacen llamar artistas, quieren escenarios cultos y además, exigen respeto del público y becas estatales. PROCESO. El proceso de la obra se supone más importante que el resultado. Vemos obras inconclusas porque esto "abre posibilidades". Primar el proceso evita que se haga un análisis de la obra ya que al no estar terminada no podemos emitir un juicio crítico. Es parte de la irresponsabilidad de este anti-arte. Es evidente que estas obras no tienen una relación tiempo-calidad, procesos de meses arrojan obras que en realidad tomó instantes pensarlas y hacerlas. Hacer énfasis en que el proceso es largo y complicado es para disfrazar la falta de calidad de los pobres resultados, para hacernos creer que hay un rastro de inteligencia y esfuerzo en ello. Los resultados y banalidad de las obras contradicen la importancia de su proceso. Para que esta contradicción no sea puesta en evidencia es el texto curatorial que explica las intenciones del artista. El proceso es intención. El arte verdadero no es intención, son hechos. REFLEXIÓN. La gran bandera de este anti arte es la "reflexión". Las obras por banales que sean exigen una reflexión superior a lo que ellas representan en sí mismas. La reflexión es un proceso que sustituye a la contemplación. La obra, al no motivar que el público permanezca observándola, impone una terea ajena a ella misma, impone un pensamiento en el que debemos entretenernos porque la obra no provoca ideas. Esta reflexión es además parte del significado, debemos "reflexionar" en lo que significa y esto es una idea que se suma a la obra para darle un valor intelectual del que carece y que no justifica con su presencia. Dice Danto "que el artista haga la obra, la filosofía y los teóricos le daremos significado". El artista es un ser que no piensa, designa algo como arte y un teórico le da un peso intelectual. Reflexionemos en eso. TODOS SON ARTISTAS. La falsa democratización del arte, el "todos son artistas" se convirtió en una tiranía. El problema es: si todos son artistas y todo es arte, no hay espectadores; el que mira puede ser creador en ese instante, así, para qué ver algo que tú como creador potencial puedes hacer y hasta superar. El segundo problema: al margen de la calidad artística, -que por lo general es nula- no hay nada que observar porque todo es arte, no hay objetos que requieran de nuestra dedicación especial para contemplarlos. Desde los temas que abordan, hasta los materiales que usan, esta totalizadora actitud está dirigida a que la experiencia estética pierda sentido. La decisión, puramente dogmática, que de que todas las aptitudes son iguales -y eso le da a cualquiera la capacidad de hacer arte- implica que no hay nada admirable o valioso en hacer arte, porque se convierte en una operación común, corriente e intrascendente. Lo que hace innecesario un recinto tan costoso y pretencioso como un museo. ¿Para qué alojar, exhibir y resguardar algo que todo el mundo puede hacer? Si todos son artistas y todo es arte, por lo tanto hasta el último centímetro cuadrado de la realidad es arte y es un museo al mismo tiempo. Pues afuera con sus obras, a la calle y que dejen los museos para lo extraordinario. TRANSUBSTANCIACIÓN. Es una superstición religiosa que afirma que un objeto puede cambiar de sustancia sin alterar su forma. El objeto es algo más de lo que representa, es otra cosa. En eso se sostiene el fraude del arte contemporáneo y sus ideas conceptuales, la figura o sea lo evidente, no cambia, cambia lo que no vemos, el significado. Los conceptos de los artistas, sus curadores y críticos son como la publicidad que nos dice virtudes del producto que no son evidentes pero basta creer en ellas para que existan. La galería, el museo y la iglesia son incuestionables y todo lo que está dentro es verdadero porque lo ampare una idea mal redactada incapaz de ser comprobada. En las reseñas de los críticos que apoyan este anti arte, ante la exposición de adjetivos cuesta enterarse si hablan de una instalación o una performance, pero de lo que sí nos enteramos es que la obra es genial, que es transgresora, que invita a la reflexión, que rompe con esquemas y hace denuncia social y detrás de este edificio retórico está un video pornográfico de Santiago Sierra o unos espaguetis en una silla. Por ello la duda, que es el primer rasgo de inteligencia, nunca es bienvenida en la publicidad, la religión o el arte contemporáneo, porque cuestiona sus verdades fabricadas, y en este proceso es en el que se derrumban todos los mitos. Estas ideas supersticiosas han penetrado como la publicidad y por eso las instituciones y fundaciones creen que apoyar a estas obras es apoyar al arte, restando apoyo al arte verdadero.

Galeria Sicart os invita a participar en este blog

La Galería Sicart os invita a participar en este blog y a crear un debate sobre la situación actual del mundo del arte. Como punto de partido, os planteamos las siguientes preguntas como punto de partida:

Artistas?
Galerías?
Público?
Mercado?
Arte?

Al finalizar la temporada haremos una exposición / debate teniendo en cuenta todas vuestras opiniones.

VILAFRANCA CONTEMPORÀNIA

Dime que me quieres aunque sea verdad.

Carolina Castro J.

Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Karlo André Ibarra, Lluis Barba, Cristina Calderón & José Luis Paulete, Nicola Costantino, Marta Espinach, Elena García Jiménez, Ivana Larrosa, Sofía López Mañán, Fernando Navarro Vejo, Lidó Rico, Paula Toto Blake, Santiago Ydáñez.

NICOLA COSTANTINO. Narcisa, 2009.
Fotografia, 200 x 140 cm.
Ed. 6. 18.000 USD.

Que me quieras implica también que me aceptes como soy, que quieras pasar tiempo conmigo, que queramos pasar tiempo  juntos. Querernos implica la necesidad de compartir el uno con el otro en un espacio y un tiempo que a veces se vuelve infinito. Cuando te digo que te quiero, espero que me digas que me quieres también, cuando te pido que me digas que me quieres, es que tengo miedo de decírtelo yo y que tú no me quieras igual. Un Te quiero es una expresión que sólo tiene sentido en el momento que la pronunciamos y que trasmite una situación límite; Aquella en que el sujeto está suspendido en una relación especular con el otro. 

Alejandra Alarcón -
Amorte, 2011 100 x 120 cm,
acuarela sobre papel
 2.500 €

Para que el sentimiento de amor exista en mí, es indispensable que haya otro. Si no hay otro con el quien yo pueda expresar mi querer, entonces no existe  sentimiento alguno. El diálogo de afectos,  el lenguaje de la verdad, el Te quiero, queda mudo, se anula, desaparece entre el mapa de mis sentimientos, embargándome en mis miedos y mis sueños no conseguidos. En la ausencia del otro,  en su silencio, me veo impedido de sentir, y sin sentimientos no soy nadie, me vuelvo invisible.

Así como para el enamorado es indispensable la presencia del otro, del ser amado, las obras de arte requieren también de otro, el espectador, para trasmitir su mensaje.  A modo de autocrítica y frente a la imposibilidad de comunicar a sus espectadores la intención de sus obras, la razón de su existencia, la Galeria Sicart presenta una exposición colectiva en que las obras yacen amontonadas en una esquina de la sala. Como el enamorado se arrincona ante la negación de amor del otro, las obras de estos quince artistas se arruman en reclamo de la atención y el querer de los visitantes ausentes de la galería. Esas obras piden a gritos un Te quiero para poder existir, pues si nadie las ve, si nadie las mira, es como si no estuvieran allí.

LIDÓ RICO. S/T IV. 2010. Resina
de poliéster. 75x40x18 cm.
7500 €

MARTA ESPINACH -
La saba agitarà el bosc.
2011 12 x 15 cm. 800 €

Sentir que el otro, espectador o ser amado, me necesita es la razón por la que existo, es lo que me hace como sujeto y como obra de arte ser verdad. Una verdad íntima que se comparte, una verdad personal que se vuelve colectiva, una verdad relativa que se vuelve absoluta en presencia del otro.

En la presente exposición las obras, aunque ausentes, contienen diferentes historias en las que los artistas diagraman sus relaciones afectivas. La complejidad de las relaciones humanas se va cartografiando por diferentes áreas que van desde el subjetivismo de los sentimientos íntimos, pasando por los afectos familiares y hasta los sentimientos que construyen nuestra identidad dentro de la sociedad en que vivimos.

CRISTINA CALDERÓN & JOSÉ
LUIS PAULETE.  Somos aquí. 2011
Dibujo. Lápiz sobre papel.
38 x 57 cm. 400 € c/u

“Narcisa” es un autorretrato de Nicola Costantino que forma parte del conjunto de reinterpretaciones de otras obras en que ella siempre ocupa el lugar del otro y el de ella misma, narrando específicamente a través del mito de Narciso el egoísmo del amor propio. En contraposición encontramos la obra de Lidó Rico, en que el cuerpo, más que un objeto de deseo es un instrumento y una prisión, sus esculturas muestran el reconocimiento de nuestras propias limitaciones autoimpuestas como punto de partida en la búsqueda entrañable de una sorpresa, de algo inesperado que de sentido a nuestra existencia. En la acuarela que presenta Alejandra Alarcón “Amorte” el afecto, el querer es depositado en los hijos como proyección del amor. En la imagen ocurre un acto de antropofagia paternal, el niño está siendo devorado por su padre. La familia cobra un rol protagónico cuando hablamos de afectos, los hijos son el símbolo del amor incondicional que supera cualquier otra brecha en el terreno de los sentimientos.Marta Espinach ha creado unas maquetas donde se muestra la relación entre padres e hijos en la etapa en que los cuentos infantiles se vuelven protagonistas del día a día. Por medio de dos casas completamente empalizadas la artista da señas de elementos como protección, contención, espacio íntimo y cuidados que son indispensables en el círculo familiar. En el mismo lugar de la relación con los hijos están los dibujos de Cristina Calderón y José Luis Paulete un niño, su hijo, que intenta subirse sobre la mesa con ayuda de una silla y hasta que se sube solo. Un proceso de aprendizaje de cual sus padres se sienten orgullosos y que muestra, nuevamente, la incondicionalidad de ese amor fraternal.

IVANA LARROSA, Lola, 2011.
Fotografia sobre dibond.
70 x 90 cm. 800 €.

PAULA TOTO BLAKE.
 Mascotas. Objetos de caucho.
1200 € (grande)
900 € (pequeña)

Pasando al territorio de las relaciones de nuestros propios sentimientos frente al mundo que nos rodea está la obra de Ivana Larrosa “Ausencia”, fotografías que relatan, a través del poema de Borges, la necesidad de protección. En las imágenes la artista borra la imagen del otro haciendo aun más notoria su falta,   pero conserva un elemento, la mano protectora, la que cuida ese espacio familiar, la que la cuida a ella y la hace sentir segura. Con la misma propuesta pero expresada a través del formato pictórico, Santiago Ydañez, hace también referencia a la protección. En la imagen hay un bebé que es acariciado por alguien en la cabeza, pero de ese alguien solo vemos su mano. Podría ser que esa mano simbolice, como en las fotos de Larrosa, al que ya no está, pero en cuyo recuerdo nos apoyamos para seguir adelante. 

El decir te quiero está casi siempre relacionado a un espacio privado y de mucha reserva, pero como seres humanos nos enfrentamos a un mundo que nos bombardea de mensajes de guerra, desamor, dolor, vacío, etc. Reaccionamos frente a estos de diferentes maneras, siempre buscando un lugar afectivo desde donde sacar las fuerzas. En las fotografías de Sofía López Mañán hay una búsqueda que muestra la dificultad de enfrentarse, en espacios ajenos y cotidianos, a la ausencia del ser amado. Un cuerpo que se sitúa como protagonista en medio de plazas, edificios, etc. buscando transformarlos en espacios de ensoñación, memoria y aproximación.

LLUÍS BARBA. Viajeros en el tiempo.
La vista y el olfato. 100 x 150 cm.
edic. 7. 9800 €

FERNANDO NAVARRO VEJO.
Cree. 2011 PVC recortado 250 x 95 cms
2011 serie 1 de 3 3500 €

Aún más fuera del espacio íntimo y ya abandonando por completo el cuerpo,  Fernando Navarro Vejo crea la palabra “CREE” escrita con PVC. La palabra pasa a ser una sentencia abrumadora. Una declaración personal donde él es el que cree y nos invita a nosotros a creer también. Una enunciación precisa y que mantiene su significado abierto a toda interpretación, poniéndonos en el abismo de nuestras creencias, cuestionando la capacidad de creer en nosotros mismos y en otros. También en el terreno de las propias dudas y las certezas, Paula Toto Blake desestabiliza el mundo conocido a través de estas “Mascotas” con apariencia extraña, que generan un sentimiento de desprecio, repulsión y distancia hacia esa figura que habitualmente tenemos por familiar.

ARTURO AGUIAR - El Mundo, 2011.
120 x 150 cm. Fotografia Color.
3500 USD

KARLO ANDRÉ IBARRA.
Flesh Map. Color Print.
100 x 135 cm. 3250 USD.

El mundo conocido y lo que nos queda por descubrir. Los padres y las personas mayores han jugado siempre un rol fundamental en la formación de las nuevas generaciones, aunque esa figura ha sido desplazada en cierta medida por las nuevas tecnologías. Arturo Aguiar nos presenta “El mundo”,  una fotografía que hace referencia al aprendizaje, en que una mujer mayor le muestra el mundo a través de un globo terráqueo a una mujer más joven. Elena García Jimenez, reflexiona también sobre el aprendizaje mediante un objeto de conocimiento. Invierte el papel del diccionario haciendo que pase de ser una fuente de referencia de conocimiento y respuestas, a una fuente de cuestionamientos e incertidumbre. La dislocación de sus textos y la descontextualización de los términos gramaticales que encabezan las dos páginas de este libro objeto, anulan su función.

SANTIAGO YDÁÑEZ. S/T, 2011.
 Óleo sobre tela.
80 x 80 cm. 5.120 €

El contenido político no queda fuera de las cuestiones que atañen a los afectos. El “Mapa de Carne” de Karlo André Ibarra indaga en la profundidad de su identidad Puertorriqueña cuestionando la ubicuidad territorial de su país perteneciente a las dos américas, el continente Americano y el territorio de Estados Unidos. Lo privado se vuelve un asunto político, reclamando el derecho de pertenencia que también reclama el enamorado, sentirse querido, sentirse parte de un territorio o de la vida de otro. En la obra de Lluís Barba ese otro es el desfavorecido, la pobreza frente a la ostentosidad y el glamour de los ricos. “Viajeros en el tiempo” traduce las relaciones y necesidades afectivas al terreno político haciendo una crítica al sistema y abogando en defensa de las clases sociales más necesitadas.

SOFÍA LÓPEZ MAÑAN. Ex-jardín
trasero,  2008. 33 x 50 cm.
Impresión sobre papel metálico.
Ed 5. 550 €.

Dime que me quieres aunque sea verdad busca recorrer el complejo mapa de las relaciones afectivas pasando por los territorios más inverosímiles, desde lo profundo de nuestros sentimientos individuales y nuestros conflictos existenciales hasta los asuntos políticos cotidianos que afectan a nuestro entorno. Esta exposición abre un ciclo, después de once años de actividad, en que la Galeria Sicart necesita hacerse algunas preguntas. El espacio con sus paredes en blanco demuestra la devaluación de una tradición que fuera también una necesidad, la de tener artistas, obras, un mercado, un público y afectos que dieran valor, que hicieran verdad su presencia en la ciudad y en el mundo.

ELENA GARCÍA JIMÉNEZ - Duden, 2011.
Libro intervenido. 18x12x3 cm 900 €

Inauguración, sábado 8 de Octubre a las 13 horas..

Del 8 de Octubre al 13 de Noviembre de 2011.

Galería Sicart - Temporada 2011-12

¿Artistas? ¿Galerías? ¿Público? ¿Mercado? ¿Arte?

Después de 11 años de actividad, creemos que la idea y el formato en que fue creada la galería ha quedado obsoleto ante la pérdida de interés por parte del público y los nuevos hábitos que aportan las modernas tecnologías. El espacio de pensamiento de las paredes blancas ha quedado devaluado si tenemos en cuenta la respuesta del público en cada exposición. Asimismo, la mayoría de las ferias han perdido su talante original para convertirse en clones de otras ferias y se han convertido en espacios de espectáculo donde artistas y galerías adecuan sus propuestas en función de lo que manda el mercado. 

En este tiempo se nos han planteado más dudas que respuestas satisfactorias sobre cómo afrontar la nueva situación.

Y es en este punto donde queremos abrir una reflexión y debate sobre lo que estamos haciendo, de qué sentido tiene tener abierta una galería de arte como espacio físico, y más cuando la galería, como la nuestra, está en un espacio considerado periférico .Temas como cuál es el papel del artista en esta sociedad cambiante, dónde está el público más allá del espectáculo, qué aporta actualmente el arte, es arte o simplemente mercado...

Por eso lanzamos estos cinco interrogantes

¿Artistas? ¿Galerías? ¿Público? ¿Mercado? ¿Arte?

con la intención de conocer la opinión de las personas que rodean el trabajo del arte: artistas, galeristas, coleccionistas, críticos y comisarios, público, mercaderes del arte, seguidores de web y facebook .. y que iremos colgando en el blog de la galeríawww.galeriasicart.com/blog y complementado por nuestro canal de youtube GaleriaSicart que tendrá el objetivo de convertirse en un contenedor de reflexiones sobre los cinco interrogantes. Cuando se hayan podido pronunciar todas aquellas personas que quieran compartir sus inquietudes al respecto, ordenaremos  las aportaciones para organizar un debate sobre los diversos temas. Queremos que este debate sea el punto de partida para una nueva orientación de nuestro trabajo en la / las galerías.

TEMPORADA 2011-12

La programación de esta temporada quiere dar pie a la reflexión con una serie de exposiciones y acciones que propongan ante estos cambios diferentes maneras más flexibles de abordarlos y que deben ser asumidos, dinámicos, orgánicos, teniendo en cuenta que la extinción de estos espacios dependerá de la facilidad de adaptación que seamos capaces de desarrollar.

Del 8 de 0ctubre al 13 de Noviembre de 2011.

VILAFRANCA CONTEMPORÀNIA. 

Dime que me quieres aunque sea verdad.

Con los artistas:

Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Karlo André Ibarra, Lluis Barba, Cristina Calderón & José Luis Paulete, Nicola Costantino, Marta Espinach, Elena García Jiménez, Patricio Gil Flood, Ivana Larrosa, Sofía López Mañán, Fernando Navarro Vejo, Lidó Rico, Paula Toto Blake, Santiago Ydáñez.

 Con texto de la teórica Carolina Castro, abordaremos la relación de la galería con las obras y el público inexistente en las muestras con una exposición en la que las obras no dejarán de estar almacenadas en un rincón de la galería.

Del 24 de Octubre y 26 de Noviembre de 2011.

FERNANDO NAVARRO VEJO

(Proyecto Galería-Taller-Residencia)

La temporada pasada iniciamos el proyecto Galería-Taller-Residencia para romper la concepción estática que tenemos los espacios expositivos convirtiendo la galería en el taller del creador abierto al público para generar dinámicas participativas a través del contacto directo con el artista. A esto se hizo eco Menene Gras Balaguer en la revista Art.es núm. 45 pág. 37-40. La experiencia fue muy positiva y esta nueva temporada la continuaremos con el artista cántabro Fernando Navarro Vejo.

Con esta experiencia queremos exponer al propio artista al público, que lo puede ver como un trabajador que cosifica las ideas, que las materializa como traducción de su pensamiento. Es un paso más en nuestro objetivo de replantear la relación entre unos y otros, convirtiéndose la galería en una especie de contenedor que hace posible el contacto entre el creador y el receptor de la obra.

Del 3 de diciembre de 2011 al 14 de enero de 2012.

ARQUEOLOGÍA DE LA GALERÍA.

El pasado. Tarjetas de invitación de las  muestras, fotografías de exposiciones y ferias, catálogos, artículos en revistas y periódicos, correspondencia, documentos ... Un archivo de lo que queda de estos 11 años de galería. Una reflexión de lo que ha sido la trayectoria de la galería a través de los restos materiales conservados.

Queremos centrar el pensamiento en la galería de arte. ¿Cuál es su función? ¿Qué es lo que hace posible que se pueda realizar? ¿Qué lo dificulta? A través de los documentos "arqueológicos" podemos reflexionar sobre los cambios en el entorno de las galerías: hoy son obsoletas algunas ideas de éxito de hace 11 años, y no están claras las ideas para el éxito de los próximos.

Del 21 de enero al 25 de febrero de 2012.

ESTAMOS PENSANDO.

Exposición y debate de las aportaciones a los 5 interrogantes planteados: ¿Artistas? ¿Galerías? ¿Público? ¿Mercado? ¿Arte? con mesa redonda y participación de los agentes implicados en cada cuestión.

Del 3 de marzo al 6 de abril de 2011

PUERTAS ABIERTAS.

"En breve historia del comisariado", el libro que Hans Ulrich Obrist publicó en la Colección EX (it) LIBRIS una entrevista al comisario Walter Hopps (California, 1932 - Los Ángeles, 2005) en que hablan de una exposición titulada "Thirty-Six Hours" en la que se colgaron en un espacio alternativo llamado Museum of  Temporary Art la obra de todas y cada una de las personas que se presentaron.

Tomando como idea esta muestra y cuestionando el papel del galerista a la hora de decidir quién y qué se cuelga en las paredes de la galería, convocamos a todos los que crean que su obra es portadora al menos de un granito de arena al arte contemporáneo a presentarla tanto para estar presente en la exposición de la página web de la galería como en el espacio físico.

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Este es un proyecto abierto del  que esperamos que las aportaciones de todos nos lleven a algunas respuestas satisfactorias para hacer frente a estos nuevos tiempos.

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Quisiera agradecer a Nacho Gil, Marta Espinach, Cristina Calderón, José Luis Paulete e Ivana Larrosa por sus comentarios sobre el proyecto, a Mar Arza por sus aportaciones y la conversación en uno de los bancos de la esquina Consell de Cent  con Enrique Granados, a Gisela Ràfols por su apoyo, a Silvina Merino por compartir cenas y vinitos, e ideas e ideales mientras desgranaba el proyecto, a Alejandra Alarcón por las horas y horas de conversaciones, afinidades y firmeza, a Carolina Castro por creer en el proyecto y por el texto de "dime que me quieres aunque sea verdad", a Jordi Llavina por las confabulaciones en el "Forat del pany", a Alba Castellví por su ayuda incondicional y contribuir a encaminar a buen puerto este proyecto, y a Àusias Sicart por darle forma y visualizarlo.  Sin ellos, no hubiera sido posible. Muchas gracias a todos!